【感想帖】做一个失败的标杆

我并不是一个喜欢音乐的人，我并不知道喜欢音乐是个什么样子。的确，我会在音乐上投入，但我投入的原因并不是音乐的感染力，而是对于自己笨拙的愤恨。说来好笑，为了能够让自己不需要太多练琴便能掌握曲目，我却不知不觉用了大量的时间在琴房里，不停地想着怎样做更好，一遍遍做实验，一旦有了想法就付诸实践，试完这个曲目试另一个曲目。直到现在，我依然认为我的投入和音乐无关，只是因为如果想要演奏得像样，你必须懂得和自己的身体与头脑打交道，那就是演奏时看上去会很专注的唯一原因。
在这样漫长的实验室般的生活中，我演奏的水平确实有提高，而且每提高一层，我就越感觉到和专业的差距有多大。时至今日，我依然不能拥有稳定的技术，依然不能很好地化解自己身上各种恼人的紧张，虽然自己已经竭力调整和控制，我的演奏依然始终在失控的边缘上摇摆。唯一值得称道的，就是懂得始终把注意力放在实际发出的声音上，这使得我懂得在演出的过程中面对失误，再也不那么容易紧张。对于有兴趣想在钢琴演奏上自己挖掘的朋友，我相信以下经验是能派上用场的：
1、当你想要将自己头脑里的处理付诸实践的时候，你首先要对付的是自己的身体。要了解自己的身体为什么不能恰如其分地做出动作，动作上的偏差对实际声音的影响是致命的。有一件事情并不难理解：对于做专业演奏的人来说，他们必须要在生理上有所训练才能胜任技术动作。这并不是为了使双手获得超乎规律的力量，而是为了获得充分的放松——这是恰如其分的前提。爱好者不需要做到这样抠，但也要注意，当你盯着键盘时，你得知道钢琴只听从实际发出的力度效果，而不会去在意你的动作，头脑里不要只准备一种落键的方法。动作必须要在声音中分离出来，它才可能真正去控制声音。
所以即便是演奏最简单的乐曲，专业和爱好者的表现依然是泾渭分明的，专业的演奏者，为了能在演奏中充分听到自己发出来的声音，也是要经过相当长的放松训练。如果你觉得这差距已经超乎想象了，那么实际情况是：差距才刚刚开始。
2、你至少需要读明白自己的处理，这里包括读节奏、读走句，细节抓得清清楚楚，然后才可以下手。至少，你得问清楚自己，当你要实现这个处理时，每个细节将要怎样体现这个处理？这并不是头脑里想想那么简单，还要仔细地阅读钢琴的音色才行，那是你的调色板的原料，你不能做出超出原料的事情，不然就是一团浆糊，或者是在一塌糊涂的踏板里自以为然地编织着“富有个性”、实则是完全模糊的乐句。
而这一切还没涉及到对音乐本身的规律的遵守。

必须说明的是，在现实情况中，这些差距并不是完全体现的，要一直能做到这些要求，需要花费的是一辈子的功夫。在这个维度上，专业和爱好者的区分并不是很大。这就好像说马拉松有人跑在前有人跑在后，但落后的人并未丧失继续奔跑的资格。
在这些摸索的过程中当然出现过很多寸步难行的情况。例如当旁人告诉你，你所努力的所有事情都是错的时候，你必须具备一些基本的知识而你又没有渠道或者时间去掌握完全的时候，你怎么办？动脑筋。如果别人说你的演奏是错的、对乐理缺乏学习，那就动脑筋想想怎样在演奏中体现出“乐理”的部分来，也就是说乐理不能只是单纯去学，还要思考怎样把它“演奏”出来。经常有意识地把音乐的标准和演奏中强调的因素联系起来，你才会知道怎样去达到该有的标准，并且在这个过程中知道怎样保持自己的热忱和天性。
杨绛有句话：“你的问题在于读书不多而想太多。”这句话应当用以检验自己有没有放下自尊虚心学习，但不应当用来抵触思考、回避问题。想要把能力变成自己的，就要开动脑筋，想方设法化成自己的所有物，这样才不会且行且慌张。

李斯特的b小调的演出算是我努力的阶段性成就吧。我一直试图把b小演奏得更“通俗”，更侧重表现作品的情节的丰富和自然的衔接，用以纠正人们对李斯特作品只会轰隆轰隆的印象。所以，我一直想把它演奏成更接近话剧的风格，分句也尽量贴近两种风格，一种是说话的语速和腔调，另一种是对自然音响的模拟。最后成品的效果，让我满意的一个地方是曲子虽然被我拉到35分钟以上的长度，但整个演奏并没有因此变得乏味，而且逻辑是可以信服的；另一个地方就是有些谱面标记我在听过的版本里总是不能令人满意，经常给人感觉知其然不知其所以然，只是单纯遵守谱面标记却没有让人听出这标记是出于什么原因标在这里的。我最在意的是在末尾的Presto之前这最后一段：
首先蓝圈的这记着重就经常被漏弹，我用人声模拟了很长一段时间才确定这是笑声爆发的效果。接着，string. molto是“更加急促”的意思，它为什么要求更加急促？这里左手的音区和之前的不同，会不会有什么联系？在以往的诸多版本里经常听不出这里的意义。一直到很后来我某次下意识地突然在这个标记处以非常快的速度推进，而且以左手音量为主，才抓到足够生动的效果。幸运的是，在毕业音乐会上，我这句话弹对了，对我而言，这就已经足够了。

不管是主旨、技术还是音乐，b小都见证了我在整个道路上的种种经历。就像浮士德其实收获的是一个很失败的人生一样，我即便花费这样大的力气，最后出来的演奏效果终究只能是差强人意。但是，我在自己力所能及的范围内的确做到了最好，而且在最想表达的地方恰到好处地表达了自己想要的效果，得到有说服力的属于自己的演绎，即便是失败，也能成为失败者中的一个标杆。希望每个见证我的音乐的人都能从中吸取我的教训，也理解我的思考，赞同我的精神，那我的作用就算是最大程度地发挥了。即便是失败者，也要做一个好的失败者。
完。本贴略水，聊表心意。

@Fmendelssohn
我说到做到，三天之内完成
不过就是赶得比较晚- -
我是看了你这么多贴子，羡慕到不行，才想着跟一次风发发言。做爱好者能做到你这样的身份真是太满足了哈。我是没有机会过上你这样的生活了，所以就算是用这篇感想作为我的祝福，相信大家也都很希望看到你能一直过着这样的生活，坚持下去咯。
以我自己当初的感想，扬名立万不是最要紧的，要是自己能拥有这样的能力，使得有一个适合听音乐的氛围，有一群适合听音乐的人，然后自己有适合的东西奉献给大家，那么这种在我看来要更接近音乐的真谛。我就是因为这样的想法放弃了走专业的道路，现在想想这样的选择真是太对了，在音乐的训练和演绎中没有变得贫瘠而是变得丰富，这已经是长久的惊喜了。所以……希望大家也能一直拥有这样的惊喜吧，就算是一个小小的心愿～

正在下载你的毕业音乐会录音...期待下

听了LZ的录音看了Lz的帖子，不得不说Lz是非常令人敬佩之人，虽然上次我们两个为了羽管键琴究竟和钢琴相比同等实际速度下是更快还是更慢一事产生了意见上的分歧，但不影响我对LZ的执著追求音乐的精神的尊敬。
只要在爱乐的路上坚持下去，LZ定能不断超越自我，达到更好。

其实我觉得，如果只是喜欢听音乐的人，我这里指的不是楼主，而是泛指，不应该学音乐。
喜欢用音乐发泄自己情感的人，也不应该学音乐，这种人学音乐会很痛苦，总会有怀才不遇的感觉，这种人做的不是艺术，而是表现自己而已。
楼主不选择做音乐，说自己不喜欢练基本功，只不过是自己对某些层面没有信心罢了，当然，我认为做个爱好者有时候很幸福，当爱好变成职业的时候，也就不那么美好了。
说说专业层面吧。楼主学的是钢琴，就以钢琴为例说说好了。
其实音乐的诠释就是两个层面：一个是谱面部分的理解，一个是所拥有的技术手段（也就是我们说的手艺）。
技术这个词，今天已经被过分夸大了。由于今天的比赛爆棚式的发展，大家都在拼“技术”。其实，实际的纯机械性能的技术可以获得的方式很多，在我们今天的时代，依靠暴力获得技术的情况是最常见的，也许也是最容易的，但是副作用是最大的，最直接的结果就是职业病，腱鞘炎，打针封闭，然后最后残疾了。。。
很多人忽略了技术的基本结果，就是声音。声音不好听的技术，就不是好技术。
技术获得的方式应该采取最自然的方式，这就跟走路跑步一样，当然，我不否认有些技术有点挑战极限，但是，挑战极限的技术也需要依靠长时间的积累完成的，就像体能一样，只要慢慢的积累，大家都会有足够的体能的。比如速度和力量，在钢琴上达到一定程度就好，所谓技术要达到150%作品才能演奏好其实更多的是要求对于整体纯熟性的概括，而不是实际的技术。比如速度，很多人都在不停的练手指头，但是以我的经验来看，很多人不是手指头没有速度，而是耳朵跟不上，分辨力不够。人对于乐器的操控，应该立足于对乐器的了解上，加上自然的操控，而不是依靠暴力的方式去控制。
所谓的技术成型，其实就是做到手可以完成脑袋所想的，就像我们的说话一样，自由的表述我们的意图。完成这点，技术上就过关了。
至于表述的方法和表述的手段，都取决于对乐谱的理解。
楼主喜欢分析乐谱，这个是非常值得大家学习的。一个李斯特的奏鸣曲，绝对是值得花上几个月功夫仔细看的，而且，有时间可以经常看，经常学。伟大的作品，你就算是第n遍学，依然有新东西可以看得出。
我听了楼主部分录音，认为有以下几个问题我认为楼主应该可以解决而没有做到。这里面我也特意想说一下，这些东西看上去简单，其实很难，业余的朋友，我认为不必为此吃太多苦头，但是，我同时也认为，这些东西，只要有耐心肯解决，还是可以很容易的解决的。
第一，就是速度。速度的选择，我觉得是很私人的问题。但是保持速度的能力是必须的。我不排斥速度上有时候做点什么，但是，无论是自由速度，还是渐快渐慢，都是一个过程，强调的也是自然。以楼主举出的李斯特的例子，这段巨大的模进，本身就是一个推进过程，这个地方音乐在向前走，所以才会有string. molto，而不是string. poco a poco。再有就是在贝多芬上面，主题的速度换过无数次，这个非常的不好，音乐的律动可以像心跳，有轻微的变化，但是做得不自然，那就是心脏病的表现了。
第二，就是节奏。让我最觉得吃惊的就是贝多芬的主题，那个节奏并不难，当然由于速度不稳，节奏自然也没法稳定了，三拍子的感觉始终是没有听出来。再就是乐曲内部很多弱起的地方，我没感到很强的那种节奏上的倾向性。
最后我想说一下楼主举的李斯特那个例子。漏掉重音符号本身就是读谱上从错误，做对了是好的。至于笑声爆发，我没理解你的意图。李斯特这地方写重音很好理解，从节奏上，记谱法上，李斯特已经很明确的告诉我们，虽然是两个音一组，但是第二个音在重拍上，要强调第二个音，仅此而已。而且，我建议大家尽量不要过分的具体细化音乐的形象。尽管李斯特的奏鸣曲和第二叙事曲都有故事，也都被人证实李斯特也许的确就是这么想的，但是，从作曲的角度讲，这只是Idea，只是一个点，强调的是部分音乐性格，而不是实际针对每个片段的，所以过分细化音乐形象，只会把自己装在套子里面出不来，对乐谱的认识也会固化，这是不利于自身发展的。哪怕是歌剧的一些特定场景，每个人的理解都会不一样，举个很有意思的例子，Fidelio第一幕终曲开始的那段音乐，我第一印象就是觉得，这是阳光照到监狱里面了，要知道，那时歌剧音乐，的确可以有场景的，我教授认为的是新鲜的空气，不过他马上又说，作为场景，我的想法也许更容易表现。但是我个人也觉得，这只不过是一个场景的理解，最后怎么表现要看导演的，我表现出来的则是音乐的那种气氛，去配合导演的场景。所以我个人非常简易大家，在非场景音乐中，尽量不要固化形象，而是先把音乐本身理解好，有时候一个先入为主的形象会影响把谱面东西演奏正确，这个在一个朋友给我演奏李斯特第二叙事曲中有一个非常好的例子，最高潮的片段，他认为是挣扎，其实怎么理解是他的事情，但是，谱面的音乐按照他理解的形象去演奏就变成另外一个东西了，也就是说，如果按照他的理解，记谱必须是另外一个样子，这就说明他理解的形象是错的，他的问题就在于他用自己认为的形象去套作品，而不是依照着音乐的基本形态去找形象；其实音乐的基本形态做对了，形象不形象的也就不重要了。我个人认为涅高兹在论音乐基本形象的时候，也强调的是对乐谱的理解，而不是用乐谱讲故事，而是强调应该对每个音符在音乐中的作用和实际效果有精确的认识。
说得有点多。。。大家将就看。而且，
我不认为楼主是什么失败的标杆。恰恰相反，我觉得挺好，有想法就是好的，更不要说，楼主很多想法挺棒的！谁也不可能让自己的想法一下子成熟，总好过做单纯的手指机械运动。

我想了解一下楼主受伤后，是怎么恢复的问题。本人现在也是负伤中，但是又不敢完全放掉琴，怕一放，之前的积累就前功尽弃了。可是不放，又不知道手能不能完全恢复。很纠结。。

楼主知道bulletproofmusician.com吗？你的很多很多想法，比如把琴房当做实验室，在作品上实验不同的表现方式，强调大脑对动作和声音的控制（我想不到更好的词了…）都跟里面的观点是很一致的